När man nämner konst tänker många människor på ovärderliga mästerverk som hänger på museer och väcker besökarnas vördnad och beundran.

Det är svårt att föreställa sig att dessa verk någonsin skulle kunna vara värda mer än sin vikt i guld. Men det visar sig att även världens mest kända konstnärer har skapat verk som inte bara var före sin tid utan också extremt värdefulla.

I den här artikeln tar vi en titt på några av de dyraste tavlorna i historien. Dessa är några av de mest ikoniska och eftertraktade konstverken i världen, och deras priser fortsätter att stiga med tiden. Och lägst ner hittar ni det absolut dyraste tavlan i historien – jag kan avslöja att den kostade 450 miljoner dollar.

10. ‘Nu Couché‘ av Amedeo Modigliani för 157,2 miljoner dollar

Nu Couché, eller ”Liggande naken” är en målning av den italienske konstnären Amedeo Modigliani som färdigställdes 1917. Det är ett av hans mest ikoniska och berömda verk som föreställer en naken kvinna som ligger utsträckt på en ockrafärgad soffa.

Målningen har en stark känsla av rörelse; kvinnan tycks vara mitt uppe i en vila, hennes kropp lutar sig bort från betraktaren medan hennes huvud ger dem en blygsam blick.

Hennes kropp är både kurvig och kantig; mjuka rundade konturer samt spetsiga armbågar och leder är artikulerade i Modiglianis karakteristiska långsträckta stil. Detta skapar en balanserad spänning mellan rörelse och stillhet i kompositionen

Modigliani hade utvecklat sin unika konstnärliga stil under sin tid i Paris på 1910-talet, vilket starkt påverkade tavlan Nu Couché. De långsträckta figurerna inspirerades av afrikanska konstverk som han mötte under sina resor till Nice, medan den dämpade ockrabakgrunden troligen härstammar från tidiga renässansfresker som var populära bland många målare vid den tiden

Sammantaget resulterade denna blandning av influenser i att Nu Couché uppfattades som en modern uppdatering av klassiska målningar som Titians Venus från Urbino (1538) eller Ingres’ La Grande Odalisque (1814).

Dessutom har dess skildring av nakenhet gett den ett rykte om att vara ett av Modiglianis mest sexuellt suggestiva verk

Nu Couché har blivit en bestående representation av Modiglianis produktion under hela hans karriär och betraktas allmänt som en av hans största prestationer som konstnär.

Det har citerats som ett inflytande för många andra verk genom tiderna, och vissa tillskriver dess motiv och kompositioner till vissa Pop Art-verk från 1950-talet och framåt. Som sådan förblir den en av hörnstenarna för modern avantgardistisk konst och fortsätter att hyllas för sin förmåga att fängsla betraktarna med sin känslokraft och slående skönhet.

9. ‘Pendant portraits of Maerten Soomans and Oopjen Coppit’ av Rembrandt för 160 miljoner euro

‘Pendant portraits of Maerten Soomans and Oopjen Coppit’ är ett par mycket detaljerade holländska målningar från 1600-talet av Rembrandt van Rijn. De här verken skapades 1634 för att fira äktenskapet mellan Maerten Soomans och Oopjen Coppit, två rika köpmän från Amsterdam. De tros ha beställts av deras familjer som bröllopsgåvor

Porträtten föreställer de båda figurerna med kunglig balans, iförda rikligt dekorerade kläder av lyxiga tyger och smyckade med juveler.

Färgerna som används i målningen är både levande och subtila och bidrar till att skapa en atmosfär av rikedom och storslagenhet. Parets ansikten har noggrant återgivits med hjälp av Rembrandts teknik, vilket skapar en känsla av intimitet och känslor som är påtaglig även århundraden senare.

Rembrandt hade en nära relation med paret innan han målade deras porträtt. Som en av de mest kända målarna i hela Europa vid den här tiden var det sannolikt ett ganska prestigefyllt ögonblick för dem att bli förevigade av honom på duk.

Det var inte heller ovanligt att sådana minnesuppdrag innefattade långvarig forskning; i det här fallet studerade Rembrandt aktivt likheterna av varje figur individuellt innan han började måla

8. ’Les Femmes d’Alger (”Version O”)’ av Pablo Picasso för 179,3 miljoner dollar

Pablo Picasso porträtt

Pablo Picassos mästerverk  ’Les Femmes d’Alger (”Version O”)’ är en fängslande och ikonisk målning. Målad 1955 på höjden av sin karriär anses denna målning vara en av Picassos största prestationer och har hyllats för sin rena innovation och storslagenhet.

Verket inspirerades av Delacroix målning ”Femmes d’Alger dans leur appartement” från 1834, men Picasso förvandlade det klassiska temat till något helt nytt och revolutionerande, vilket han ofta gjorde i sina verk.

Målningen visar två sittande kvinnofigurer i ett ogenomskinligt blåtonat rum som ger den en drömsk och mystisk atmosfär. Kvinnorna är draperade i rikt färgade tyger och deras ansikten är noggrant detaljerade med skarpa linjer som lyfter fram varje kvinnas individuella karaktär.

Deras ögon verkar utstråla värme, även om de är höljda i skuggor på grund av den svaga belysningen. De andra elementen i bilden bidrar också till att skapa en känsla av mystik – det intrikata kakelgolvet, de frodiga draperierna och de utsmyckade möblerna framkallar alla en känsla av exotism och skönhet.

När det gäller kompositionen är ”Women of Algiers (Version O)” ett exempel på Picassos skickliga användning av kubistiska element; de fragmenterade formerna kombineras med abstrakta former för att ge målningen en nästan surrealistisk känsla.

Hans användning av färg är också anmärkningsvärd; han använder livliga toner som rosa, gult och grönt som kontrasterar mot ljusare nyanser som vitt och grått, vilket ytterligare understryker djupet i bilden

Picasso var särskilt stolt över detta verk och ansåg att det förkroppsligade hans konstnärliga utforskande av nya områden – han anmärkte en gång att ”det är som om jag har passerat en gräns… jag har rört mig bort från mitt gamla jag”.

7. ’Wasserschlangen II’ av Gustav Klimt för 183,8 miljoner dollar

Ett annat verk av Gustav Klimt auktioneras ut

Wasserschlangen II av den österrikiske symbolistmålaren Gustav Klimt är ett verkligt fascinerande konstverk. Målningen föreställer en kvinna som står i en eterisk undervattensvärld omgiven av ormar och exotisk vattenflora.

Hennes ansikte är uttryckslöst men hennes kroppsspråk förmedlar en känsla av djupt lugn och ro. Vattnets olika nyanser av blått och grönt ger verket en nästan drömliknande kvalitet, medan ormens slingrande linjer skapar en känsla av rörelse och energi över hela duken

Målningen färdigställdes 1907 som en del av Klimts samarbete med sektionisterna i Wien kring deras serie ”Pond”. Just detta verk utmärker sig för sin unika komposition, som kombinerar mycket dekorativa element med teman hämtade från mytologi och traditionell kristen ikonografi. Särskilt kvinnan i Wasserschlangen II har ofta tolkats som en allegori för kristen frälsning genom vattendop.

På det hela taget är Wasserschlangen II ett utmärkt exempel på Klimts mästerskap som både konstnär och historieberättare. Med sitt slående bildspråk och sin komplexa symbolik kommer det garanterat att fängsla betraktarna med sin tidlösa skönhet i många år framöver.

6.  ‘No. 6 (Violet, Green and Red)’ av Mark Rothko för 184 miljoner dollar

’No. 6 (Violet, Green and Red) ’ är ett mästerverk av den berömda amerikanska abstrakta expressionisten Mark Rothko.

Det skapades 1953 och anses vara ett av de mest betydelsefulla verken i hans karriär. Målningen består av två paneler – den ena tar upp större delen av duken, med en smal remsa längs den högra sidan. Den har tre primära färger – violett, grönt och rött – och återspeglar Rothkos karakteristiska stil av färgfältsmåleri som han utvecklade i slutet av 1940-talet

’No. 6 (Violet, Green and Red) ’ är inte bara visuellt fantastisk utan utgör också en viktig milstolpe i den abstrakta konstens historia eftersom den skapades under en viktig period för den moderna konsten då den abstrakta expressionismen snabbt vann gehör bland kritiker på båda sidor av Atlanten.

Som sådan har denna målning haft ett långtgående inflytande på många efterföljande generationers konstscener runt om i världen.

Den bidrar till att befästa Rothko som en av USA:s främsta moderna konstnärer från mitten av århundradet som utmärkte sig för att skapa verk som både fängslar publiken och samtidigt på ett genomtänkt sätt reflekterar över samhällets ständigt föränderliga samtidskultur med sin blandning av skönhet och känslomässigt djup som fortsätter att bestå än idag.

5.  ’Number 17A’ av Jackson Pollock för 200 miljoner dollar

Number 19 såldes på auktion något billigare…

’Number 17A’ är en abstrakt expressionistisk målning som skapades av den älskade moderna konstnären Jackson Pollock.

Målningen släpptes 1947 och är fortfarande en integrerad del av Pollocks kanon. Den har en färgrik uppsättning av livliga färger och former som tros representera några av Pollocks innersta känslor och strider som konstnär

Verket är ett av de mest kända verken från Pollocks droppmålningsserie, där han använde en teknik där han droppade hushållsfärg på duk.

Denna teknik resulterade i visuellt effektfulla kompositioner som bröt mot traditionella konstnärliga stilar. Målningen, som består av flera olika färger – rött, blått, gult, rosa och vitt – skapar en kaotisk men ändå fängslande scen som speglar konstnärens känslor vid den tidpunkten.

 När man tittar närmare på ’Number 17A’ kan man se olika former som är sammanflätade i varandra och som tros symbolisera olika aspekter av livet och medvetandet.

Även om det kan verka slumpmässigt eller planlöst finns det något mycket medvetet med detta verk; Pollock har använt sig av kompositionstekniker som form, form och färg för att skapa en enhetlig bild som också fångar hans inneboende passion för konstnärskap

Man tror att nummer 17A inspirerades av Pollocks egen oroliga barndom och personliga relationer som ledde till att han blev en rastlös vuxen som ständigt sökte nya sätt att uttrycka sig genom konsten.

Denna målning är ett exempel på hur han fann tröst i kaos genom att använda abstraktion som ett utlopp för sina känslor; den har blivit både en representation av hans kamp och en inspiration för andra som söker tröst och förståelse genom kreativitet.

4. ’The Card Players’ av Paul Cézanne för 250 miljoner dollar

En mindre studie av verket såldes på auktion för 19 miljoner dollar.

Paul Cézannes målning ’The Card Players’ är en serie av fem oljemålningar som färdigställdes i början av 1890-talet. Målningarna föreställer bönder från det franska Provence som spelar kort; tre av målningarna utspelar sig utomhus, medan de andra två är interiörscener.

Personernas ansikten har återgivits i en naturalistisk stil och deras kläder är enkla och enkla i paletten, vilket visar Cézannes engagemang för att porträttera sina motiv på ett oförfalskat sätt.

Verken betraktas nu allmänt som några av de viktigaste postimpressionistiska konstverken som någonsin skapats, vilket gör dem mycket eftertraktade av både stora museer och privata samlare.

Målningarna intar en unik plats i den moderna konstens historia, med sin dämpade färgpalett och sina uttrycksfulla penseldrag som fångar den enkla skönheten i landsbygdslivet i Cezannes älskade Provence.

Även om verken vid en första anblick kan verka oansenliga representerar de Cézannes försök att gå ifrån traditionella perspektiv genom att skapa en djupare förbindelse mellan sig själv och sina motiv genom noggrann observation och subtila modulationer av färger, former och texturer.

På så sätt kan ’The Card Players’ ses som en förkroppsligande av Cézannes förvandling till en av den moderna konstens mest inflytelserika målare.

3. ’Nafea Faa Ipoipo’ av Paul Gauguin för 300 miljoner dollar

’Nafea Faa Ipoipo’ är en målning av Paul Gauguin som skapades 1893 och som för närvarande finns på National Gallery of Art i Washington D.C.

Målningen är en olja på duk och föreställer tre tahitiska kvinnor som sitter runt ett bord med korgar med frukt och blommor, en kvinna som spelar dragspel och en fjärde person som tittar på dem bakom en gardin. Titeln hänvisar till den sorgliga historien om Teha’amana, Gauguins tidigare älskare som bodde med honom på Tahiti

Målningen har typiska polynesiska motiv som mattor, juveler och palmblad som återspeglar Gauguins beundran för den inhemska kulturen. Påtagligt frånvarande är alla kristet influerade ornament som kors eller keruber, vilket visar att Gauguin förkastade religiösa symboler och föredrog den exotiska värld som han hade mött under sin tid på Tahiti.

Gauguins beslut att endast inkludera tre kvinnor i ’Nafea Faa Ipoipo’ kan tolkas som att det återspeglar Teha’amanas frånvaro i hans liv; även om det hade gått några år sedan deras förhållande upplösts förblev hon ständigt närvarande i hans tankar.

’Nafea Faa Ipoipo’ är fortfarande ett av Paul Gauguins mest hyllade verk och fortsätter att fängsla tittarna över 125 år senare tack vare sin unika komposition och sin djupt personliga berättelse om förlorad kärlek över kulturer och religioner.

2. ’Interchange’ av Willem de Kooning för 300 miljoner dollar

’ Interchange’  är en målning av Willem de Kooning, en inflytelserik nederländsk-amerikansk konstnär som är känd för sina banbrytande bidrag till den abstrakta expressionismen.

Målningen färdigställdes 1955 och finns för närvarande i samlingen på Art Institute of Chicago. Interchange har de Koonings karakteristiska stil av abstrakt expressionism, med ett arrangemang av virvlande linjer, former, färger och texturer som framkallar en känsla av dynamik och rörelse.

Verket består av en mängd olika former, bland annat cirklar och rektanglar, samt organiska former som fåglar och fartyg. Förutom de abstrakta elementen finns det också antydningar till föreställande former i hela målningen. Dessa inkluderar en figur i mitten omgiven av två hundar och en tjur på vardera sidan, vilket anspelar på teman relaterade till mytologi eller antika ritualer

De färger som används i Interchange är samtidigt djärva och subtila. Å ena sidan har den livliga toner – från blått till gult ockra – medan andra delar är dämpade eller mattare i nyansen. Denna blandning skapar en intressant juxtaposition mellan tonerna som gör att kompositionen förblir visuellt stimulerande utan att bli överväldigande.

Denna teknik är karakteristisk för de Koonings arbete eftersom han ofta strävade efter att skapa kompositioner som var både dynamiska och balanserade på samma gång

Interchange har allmänt hyllats som ett av de Koonings mest fulländade verk från hans efterkrigstid. Det ställdes ut tillsammans med andra ikoniska verk som Woman V (1953) på Venedigbiennalen 1956, där det fick kritiskt bifall av både kritiker och kuratorer för sin dynamiska natur och komplexitet. Sedan dess har det fortsatt att visas i många anmärkningsvärda utställningar runt om i världen, inklusive retrospektiva utställningar på Museum of Modern Art New York (1963) och Tate Modern London (2014). 

På senare år har Interchange blivit alltmer eftertraktad av konstsamlare på grund av sin status som ett av de Koonings mest ikoniska verk, vilket har bidragit enormt till dess värde. Dessutom ses den som ett exemplariskt exempel på abstrakt expressionism, vilket ger den ytterligare dragningskraft bland konnässörer som letar efter verk från denna genre.

Alla dessa faktorer gör Interchange till en av Willem de Koonings mest anmärkningsvärda konstnärliga prestationer som sannolikt kommer att fortsätta att fängsla betraktarna i många år framöver.

1.      ’Salvator Mundi’ av Leonardo Da Vinci för 450,2 miljoner dollar

Salvator Mundi som målades av den store renässansmästaren Leonardo da Vinci, är ett av världens mest ikoniska konstverk.

Målningen föreställer Kristus som en välsignande figur av ljus och kärlek, som håller en kristallkula i sina händer. Målningen upptäcktes först år 1900 och har sedan dess blivit en källa till fascination och beundran

Målningen visar Kristus med en intensiv blick som tittar direkt ut mot betraktaren. Hans traditionella ikonografi gör honom nästan omedelbart igenkännbar. Hans mantel är intrikat detaljerad, med olika nyanser av blå nyanser som ger plats åt guldgula höjdpunkter bland draperiets veck.

Hans gloria är omgiven av stjärnor och har en ljus guldbakgrund som ger bilden en eterisk kvalitet – intrycket är att man tittar på något himmelskt eller gudomligt.

Kristallsfären som Kristus håller i sin högra hand symboliserar kosmos och visar att han behärskar allt fysiskt och andligt. I hans vänstra hand finns ett klot som toppas av ett kors, vilket betecknar Kristi jordiska kungadöme över mänskligheten och dess frälsning genom honom ensam.

Sedan upptäckten har Salvator Mundi beundrats allmänt som ett av Leonardos största bevarade verk. På senare år blev den särskilt berömd när den auktionerades ut på Christie’s för 450 miljoner dollar, vilket gjorde den till en av de dyraste målningar som någonsin sålts på auktion.

Den har nu tagit plats bland några av världens mest värdefulla artefakter i Saudiarabiens nyöppnade museum Louvre Abu Dhabi, där den kommer att visas upp i generationer framöver. 

Även om detaljer om Salvator Mundi fortfarande är föremål för debatt bland forskare – till exempel om den var helt färdigställd av Leonardo själv eller om han fick hjälp av sina elever – står en sak klart.

Detta mästerverk är ett bevis på Leonardos enorma talang för att förmedla känslor och mystik genom sina konstverk som få före honom någonsin kunde matcha.

Den djupa inverkan Salvator Mundi har haft på tittare genom historien fortsätter än idag och påminner oss alla om varför vi bör värdesätta sådana verk för kommande generationer.

Källor:

https://www.christies.com/en/lot/lot-6110563

https://money.cnn.com/2016/02/19/luxury/ken-griffin-david-geffen-de-kooning-jackson-pollock/index.html

https://www.nytimes.com/2015/02/06/arts/design/gauguin-painting-is-said-to-fetch-nearly-300-million.html?_r=1

https://www.ft.com/content/0e0f2de8-f62e-11e7-a4c9-bbdefa4f210b

https://www.christies.com/lot/lot-pablo-picasso-les-femmes-dalger-5895962/?from=salesummary&intobjectid=5895962&sid=82e1542b-31c0-461b-a060-4080de09ede5

https://edition.cnn.com/style/article/modigliani-nu-couche/index.html

https://www.vanityfair.com/culture/2012/02/qatar-buys-cezanne-card-players-201202

https://www.christies.com/features/The-Private-Sale-of-Rembrandt-Van-Rijn-Portrait-of-Oopjen-Coppit-and-Maerten-Soolmans-7044-1.aspx